この夏、アーティゾン美術館で開催されているのは、

“エットレ・ソットサス―魔法がはじまるとき、デザインは生まれる”という展覧会。

アーティゾン美術館開館以来初となるデザインをテーマにした展覧会です。

本展の主役は、エットレ・ソットサス（1917～2007）。

20世紀イタリアデザインを代表する巨匠です。

生誕100周年の2017年には、イタリアを含む各国の美術館で、

大規模な回顧展が開催され、近年、その評価はますます高まっています。

本展は、そんなソットサスを日本で初めて本格的に紹介するものです。

出展されているソットサスの作品は、実に100点以上！

これらはすべて近年になって、石橋財団が収集したものだそうで、

その一大ソットサスコレクションが、本展で初めてお披露目されています。

さてさて、本展は時系列に沿って、

全部で5つのセクションで構成されています。

まずセクション1では、1950年代後半のソットサスの仕事を紹介。

この頃の彼は、イタリアの企業と協働していました。

例えば、1957年にトスカーナ地方で設立された家具メーカー、ポルトロノーヴァ。

ソットサスは設立の翌年に、アートディレクターに就任し、

ストライプ柄のプラスチック・ラミネートで全面が覆われた、

現代の目で見ても斬新な家具を次々にデザインしました。

また、ソットサスを語る上で絶対に欠くことができないのが、オリベッティとの協働。

デザインコンサルタントとして就任した彼は、

伝説的なタイプライター「ヴァレンタイン」を生み出しています。

ボディに鮮烈な赤色を採用し、

あえて内部の構造を露出させたその大胆なデザインは、

単なるオフィス用品に、オブジェとしての魅力を与えました。

そんな本作は、近代デザイン史における最高傑作の一つとも称され、

MoMAことニューヨーク近代美術館のパーマネントコレクションにも認定されています。

続くセクション2では、1960年代の活動を紹介。

この時代、日本でも安保闘争が起こるなど、

世界中で反体制的な社会運動が展開されていました。

ソットサスもまた、反体制的な立場から、

“デザインはどうあるべきか”を深く問い直していたようです。

そんな中で初めてインドやアメリカを旅行し、カルチャーショックを受けます。

こうして誕生したのが、「トーテム」シリーズ。

構造物として、ただそこに存在するだけで成立する作品群です。

本展のハイライトともいえるのが、セクション3。

1981年にソットサスが立ち上げた前衛デザイン集団、

伝説的な「メンフィス」の活動を紹介するセクションです。

メンフィスは、若いデザイナーや建築家らが、

ソットサスの自宅で酒を飲んでいた際に結成されました。

グループ名は、結成の際にソットサスの家で、

繰り返し再生されえていたというボブ・ディランの曲,

『メンフィス・ブルース・アゲイン』に由来するするそうです。

当時のデザイン界の主流だったのは、

ドイツのバウハウスの流れを汲むモダニズムなデザイン。

それに対し、メンフィスのメンバーは、合理性を排除し、

ビビッドな原色や幾何学的パターン、非対称的なフォルムなど、

感情に訴えかけるようなユーモラスなデザインを重視したのです。

その斬新なデザインは、瞬く間に1980年代のデザイン界を席巻しました。

なお、メンフィスのメンバーは国際食が豊かだったのも特徴の一つ。

日本人では、ソットサスの盟友である倉俣史朗や、

国際的に活躍した建築家・磯崎新も「メンバー」に参加しています。

本展では、そんな倉俣による大理石テーブル《トウキョウ》も展示されていました。

ちなみに。

ソットサスに負けず劣らず、

斬新な本展の会場デザインを手掛けたのは、

クラマタデザイン事務所出身の五十嵐久枝さんです。

本展で特徴的な展示壁や展示ケースの筒状のものは、紙管とのこと。

シルバーで覆われているのは、ナフサ不足が原因ではありません。たぶん。

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